técnica fotográfica

Filtros para tus objetivos; los básicos

Desde que la captura electrónica digital se impuso como la más frecuente en la práctica fotográfica, el uso de filtros se ha vuelto más circunstancial que cuando reinaba la película fotográfica, y desde el punto de vista de los que llevamos casi 40 años en este afición, no me atrevo a decir lo que pensarán los profesionales con los mismos años de dedicación, muy caótica y con criterios poco claros. Si a eso sumamos que aplicaciones como Hipstamatic y luego Instagram y otras empezaron a denominar «filtros» a sus efectos generados mediante software sobre las fotografías que hacían los primeros smartphones, de calidad nefasta, para disimular sus efectos,… es fácil comprender que existen confusiones en muchos aficionados a la fotografía actual.

Pero hoy no vamos a hablar de los «filtros» con comillas de las apps para los móviles. Vamos a hablar de los filtros de verdad, lo dispositivos ópticos que se colocan delante de nuestros objetivos fotográficos, con el fin de obtener desde el momento de la toma una imagen que se aproxime al resultado final que hemos previsualizado antes de pulsar el botón disparador de la cámara.

Concepto:

Un filtro es un dispositivo óptico, es decir, un elemento que afecta a la luz que llega al objetivo y, por lo tanto, a la superficie sensible de la cámara, sea un sensor electrónico digital o sea película fotoquímica tradicional. Se les llama filtros porque originalmente se utilizaron para limitar las longitudes de onda de la luz visible que llegaba al sistema óptico de la cámara. Si la luz blanca incluye los famosos siete colores del arco iris, del violeta, como más energético y menor longitud de onda, en los 380 nm, hasta el rojo, como menos energético y con mayor longitud de onda, en los 700 nm. Así en la fotografía en blanco y negro, según los colores que filtrábamos, amarillo, verde, naranja, rojo,… se modificaba el contraste y el aspecto de la imagen final.

Pero luego, fueron surgiendo filtros con fines muy diversos, y algunos con gran complejidad. En la entrada sobre fotografía en el infrarrojo, ya hablábamos del uso del IR 720 nm que filtraba la luz en el infrarrojo cercano, impidiendo el paso del espectro visible a la superficie sensible. Como los tipos de filtro son muchos y muy diversos, nos vamos a centrar en los más básicos; los UV, los de densidad neutra y los polarizadores. Y si con el tiempo nos animamos a temas más avanzados… pues ya veremos.

Filtro «protector» UV o Skylight:

Un clásico. Cuando el nuevo aficionado a la fotografía se compraba su primera cámara de objetivos intercambiables con su objetivo de kit, inmediatamente el dependiente de la tienda le decía algo así como «… y ahora, de paso, te llevas un filtro protector para evitar que le pase nada a tu objetivo que tanto te ha costado» (y de paso incrementaba, aunque fuera con unas peseticas o unos euricos, la factura a ingresar en la tienda).

La primera fotografia que hice en mi vida a la Torre Eiffel en agosto de 1989, la hice con una Pentax P30N y un objetivo de 28 mm que me prestaron para el viaje. Yo sólo tenía el 50 mm de kit que venía con la cámara, comprada cuatro meses antes. Y el 28 mm venía con un Skylight 1A. No obstante, los raros colores de la foto se deben a que, cuando la digitalicé, el negativo en color Fujicolor 100 ya se había empezado a deteriorar.

Hace unas décadas, el dependiente te podía colocar bien un filtro UV sin más o un 1A Skylight. La teoría que te contaban es que filtraba la luz ultravioleta que iba a disminuir el contraste en tus fotos e iba a mejorar el aspecto de los paisajes. Lo que no te contaban es que el 1A Skylight no es neutro y tenían un ligero tono rosado, inapreciable para la mayor parte de los observadores inexpertos. Y solían/suelen ser baratos y de mala calidad.

Vamos a las realidades actuales. A los rayos ultravioleta les cuesta mucho atravesar el vidrio. Si te pones a tomar el sol en tu casa, dentro del salón con la ventana cerrada, y te da el sol, te dará calor, mucho calor en verano, pero no te vas a broncear por mucho que te empeñes. Es cierto que algún rayito del ultravioleta cercano se puede colar… pero en general, no es problemático. Y además, actualmente, los sensores digitales ya llevan un filtro incorporado que corta tanto la luz ultravioleta como el infrarrojo, para evitar que se alteren los colores de la imagen. Es decir… ópticamente, estos filtros no están justificados. Entre el vidrio de los objetivos y el filtro del sensor… ya están suficientemente filtrados los ultravioletas.

No obstante, sobre estos filtros hay dos posiciones, a veces irreconciliables, y que suscitan acaloradas discusiones. No voy a pretender convencer a nadie de nada, cada cual que se quede con lo que quiera:

El Gran Canal de Venecia, 1993, en aquella época usaba con frecuencias filtros UV, nunca Skylight 1A. Pero siempre los compraba B+W, caritos y de buena calidad, para que la imagen sobre diapositiva no se viera afectada

a) Los partidarios a ultranza de llevar puesto el filtro UV (nunca el Skylight que introduce dominantes de color) para proteger el elemento frontal del objetivo, de golpes y agresiones diversas. Si sois de estos, no seáis rácanos. Si os gastáis un dinero, bastante, en el equipo, utilizad un filtro de alta calidad, no uno de esos chinos que cuestan unos pocos euros. Porque con esos es casi seguro que estáis empeorando la calidad de la imagen. Personalmente no los uso, salvo en la playa o navegando en el mar, porque la arena y la sal de las salpicaduras del agua marina son muy «antipáticas» con nuestros equipos.

b) Los partidarios de no llevar nunca uno de estos filtros UV. Aducen que no aportan nada ópticamente a la imagen, y corres el riesgo de degradar la imagen, o disminuir el contraste al aumentar el número de superficies vidrio/aire que tiene que atravesar la luz. Para proteger el frontal del objetivo, usar SIEMPRE el parasol de plástico rígido apropiado al objetivo. Parará los golpes y protegerá de la entrada de luces laterales parásitas. He dicho que no quería convencer a nadie de nada,… pero yo soy de estos.

Si los vais a usar, pensad en marcas como B+W, Hoya, Kenko,… Nada de baratijas de saldo. Por favor. Sed cariñosos con la luz con la que hacéis vuestras fotografías.

Filtros de densidad neutra:

Esto es muy sencillo. Son filtros que disminuyen la cantidad de luz que llega a la superficie sensible, idealmente sin alterar su calidad; sin introducir dominantes de color, sin diminuir el contraste, etcétera.

Tienen distintas potencias.

  • Un ND2 o 0.3 de densidad óptica disminuye la entrada de luz a la mitad. Un paso.
  • Un ND4 o 0.6, disminuye a una cuarta parte, dos pasos.
  • Un ND8 o 0.9, disminuye a una octava parte, tres pasos.
  • Un ND16 o 1.2, disminuye a un dieciseisavo, cuatro pasos.
  • Un ND32 o 1.5, disminuye a un treintaidosavo, cinco pasos.
  • Un ND 64 o 1.8, disminuye a un sesentaicuatroavo, seis pasos.
  • Un ND1000 o 3.0, disminuye a una milésima parte, aproximadamente diez pasos. Los diez pasos exactos serían un ND1024 o 3.0 de densidad óptica, pero generalmente encontramos comercializados como ND1000.
  • Y más potentes todavía dejando pasar menos luz…
Meoto Iwa (las rocas consortes), en Ise (Japón), 2019, con un filtro Lee cuadrado ND1000, de diez pasos. Hacía viento y se percibe en la falta de nitidez de la soga que une las rocas. A pesar de que se consideran excelentes, y son caros, estos Lee introducían unas horribles dominantes de color que me costaba mucho eliminar, y por ello no los uso y compré otros.

Cuales son sus utilidades. Pues cuando las combinaciones de apertura y velocidad de obturación que permite tu cámara no te permiten conseguir el efecto visual que pretendes. Ejemplos:

  1. Pleno verano, a las dos de la tarde, a pleno sol, quieres hacer un retrato con un objetivo de apertura máxima f1.4 y mucho «boke». Si el ISO mínimo de tu cámara es ISO 100, tienes que usar una velocidad de obturación 1/12800 segundo, que tu cámara no da. Sólo llega a 1/4000 segundo. Pues le pones un ND4 / 0.6 o más potente, le quitas tres o más pasos de luz, y ya puedes usar una velocidad de obturación dentro de tus posibilidades.
  2. Estas ante una hermosa cascada, o ante un paisaje marino, pero te gustaría que quedará con uno de esos efectos difuminados, «efecto seda» que llaman los más horterillas, producidos por el movimiento del agua al aplicar una velocidad de obturación muy lenta. Si hay demasiada luz, igual no lo consigues. En un día nublado, a ISO y f16 igual te da para una velocidad de 1/25 segundo, que no te ofrece ese efecto. Si estás ante una cascada, con un ND8 / 0.9 ya te pones en ¼ segundo, que te permite el efecto difuminado. Para el mar en movimiento igual necesitarías un ND 256 / 2.4 o superior para tiempos de exposición de 10 o más segundos.
En Pekín, hace una semana, en este 2026, con otros filtros, redondos, magnéticos, K&F, que son dignos, podrían ser mejores, pero son muy fáciles de quitar y poner. Un filtro ND 64 que quita seis pasos de luz, para mejorar la textura del foso que rodea la Ciudad Prohibida, antiguo palacio imperial de las dinastías Ming y Qing. Como hacía algo de brisa, las ramas de los árboles también han perdido nitidez por el movimiento.

Una variante de los filtros de densidad neutra son los degradados neutros, en los que una parte del filtro es totalmente transparente y la otra bloquea parte de la luz con distintas intensidad, con una transición progresiva entre ambas. Es típico filtro de paisajista, cuando el contraste entre el cielo y el suelo es excesivo. Mientras que los anteriores pueden ser filtros redondos que se enroscan en el frontal del objetivo, o actualmente magnéticos que se adhieren a adaptadores enroscados al frontal de los objetivos, estos degradados son cuadrados o rectangulares y se sitúan en un soporte delante del objetivo, que permite ajustar la altura de la transición al punto adecuado de la imagen. Han perdido popularidad porque muchos fotógrafos prefieren conseguir lo mismo en el procesado digital de la imagen, muchas veces tomando varias imágenes con distintos valores de exposición y usando una parte de unas y otra parte de otras para componer la imagen final.

Filtros polarizadores:

Es dificil explicar lo que es la polarización de la luz. Los rayos de luz vibran. Como una cuerda de guitarra cuando la pulsas. Esto no es exactamente así, pero valga como analogía. Y vibran en todas las direcciones, alrededor del rayo de luz. Pues bien, cuando la luz se polariza, sólo vibra en un plano. Hacemos que vibre de forma más «ordenada», si me permitís la expresión.

Paisaje en Eslovenia en 1993. Fotografia con el filtro UV, sin polarizar. Al lago le hubiera venido bien un polarizador. Se hubiera mantenido el reflejo de los árboles, pero habría mejorado el tono del agua, en una mañana que salió nublada.
Por la tarde, en Liubliana, la capital eslovena, había salido el sol. Con el polarizador, se destacan bien las pequeñas nubecitas en el cielo, y el color del agua del canal aparece denso y profundo. Pero el efecto es algo excesivo, y a la foto le falta vida.

Y esto para que sirve,… en ciencia, para muchas cosas. En fotografía, tiene algunos usos importantes:

  1. Eliminar brillos no metálicos, reflejos en superficies de cristal o del agua. Con eso mejoramos la transparencia del agua de una playa o un estanque, o conseguimos fotografiar mejor un objeto a través del vidrio de un escaparate con más contraste y definición. O en un paisaje, eliminamos los brillos y reflejos en las hojas de los árboles y estos verdes se ven más saturados y profundos. Así que, muy importante en paisaje. Aunque cuidado no ser extremo, que puede quedar un paisaje sin vida.
  2. Aumentar la intensidad del azul del cielo, mejorando el contraste de las nubes. También interesante en paisaje. Pero… ¡¡¡CUIDADO!!! Sólo se polariza la luz del azul del cielo situado a 90 º respecto al sol, por lo que si lo ponemos delante de un objetivo gran angular muy extremos, puede suceder que el azul del cielo quede irregular.
Venecia 1993, en la Punta de la Dogana, con un 28 mm y un polarizador. La parte de la izquierda del cielo, a casi noventa grados respecto al sol, aparece mucho más densa que la de la derecha. El efecto del polarizador en el cielo no es uniforme.

Por mucho que algunos lo intentan, el auténtico efecto polarizador no se puede replicar mediante software. Sólo se puede simular hasta cierto punto, desde mi punto de vista de forma insatisfactoria. Por lo que si interesa, y creo que interesa, habrá que comprarse uno. Siempre de buena calidad. Insisto, no seáis rácanos con los filtros que compréis.

Atención, a veces oiréis hablar del filtro polarizador circular CPL. Esto no se refiere a que sea un filtro redondo que se ajuste a la rosca del frontal del objetivo. NO. Se refiere al tipo de vidrio del filtro y cómo consigue la polarización de la luz. Antes de la aparición de las cámaras de enfoque automático, solían ser filtros polarizadores lineales, más sencillos de fabricar y baratos, y muchas veces más potentes. Pero interferían con los mecanismos de enfoque automático, por l que se introdújeron los polarizadores circulares CPL, que sois los que generalmente se venden ahora y debéis usar en las cámaras modernas electrónicas digitales y autofoco.

Venecia, 1993, desde la Punta de la Dogana, donde termina el Gran Canal, típico uso del polarizador para hacer resaltar las nubes del cielo. En aquellos momentos llevaba una Pentax P30N con un 28 mm de enfoque manual, y el filtro era un polarizador lineal.

Y hasta aquí podemos hablar hoy. Que ya ha quedado una entrada demasiado larga.

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Actividad; Día Mundial de la Fotografía Estenopeica

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Antes de empezar con lo importante, un avisico. El redactor habitual de estas entradas se coge unas merecidas vacaciones, por lo que probablemente se rompa el ritmo de al menos una publicación a la semana, a veces dos, de los últimos meses. Quizá otros compañeros de la junta se animen a tomar el relevo con alguna cosa, si surge. Pero bueno… de momento, no vamos mal. Y hay temas pendientes. Por ejemplo, de cosas que se oyen que preocupan a algunos socios, en un futuro podremos hablar en estas páginas de filtros (de los que se ponen en el objetivo, no de los de las app y otro software), o del eclipse solar total de agosto. O bien, de aplicaciones gratuitas o económicas para procesar las fotos con distinto nivel de dificultad. Pero es importante que sigáis haciendo comentarios o hablando de cosas que os interesan u os preocupan.

Y ahora vamos con la fotografía estenopeica. Todos los años, en el último fin de semana de abril se celebra el Día Mundial de la Fotografía Estenopeica. Ya abrimos boca en su momento poniendo un vídeo en Youtube que explicaba como hacer en casa una cámara estenopeica. Vídeo que enlazamos en estas páginas. Recordemos que una cámara estenopeica es una cámara oscura, que en una de sus caras tiene un estenopo, un pequeño orificio de unas pocas décimas de diámetro que realizamos con un alfiler… o, los más sofisticados, con el cuerno de un unicornio azul. Y en la cara opuesta interior colocamos una superficie fotográficamente sensible a la luz, que nos permitirá registrar una foto única, original, y muy nuestra. Sin lentes. Pero si escucháis a alguno decir «sin óptica», eso no es cierto. El estenopo es un sistema óptico. Pero sin lentes.

Atención: No olvidéis pasar las fotos que hay en cada enlace a las entradas de Instagram, con la flecha de la derecha. Cada entrada puede tener varias fotos.

Reproduzco el resumen que Anu Medina ha hecho en la cuenta de Instagram de la asociación, porque es difícil resumirlo mejor.

El sábado 25 nos reunimos en el Parque Grande, donde disfrutamos haciendo fotografías al aire libre, experimentando con… ¡¡¡la magia de la luz y los tiempos largos!!! Terminamos la mañana con unas refrescantes cervezas 🍻🍺🍻.
El domingo 26 continuamos en el Centro Cívico Sánchez Punter, aprovechando el laboratorio 🎞️💡⏳para revelar y compartir resultados, aprendizajes y momentos únicos.

Un encuentro para seguir explorando la esencia más pura de la fotografía🖤.

Los aficionados al género tenían sus propias cámaras. Muchas de ellas artesanales, usando papel fotográfico como material sensible. Pero también se vio alguna cámara preparada para el uso de rollos de película fotográfica. Hay algunos fabricantes por ahí que hacen cámaras muy bonitas de este tipo, generalmente de madera, pero también de otros materiales. No obstante, los puristas alegarán que el plus de diversión es prepararse para la toma fabricando uno mismo su cámara, con alguna lata, alguna caja, algo de habilidad, paciencia y buenas dosis de ingenio y buen humor. Las cámaras pueden ser muy originales y desenfadadas.

Hubo para todos. Quienes no habían tenido la oportunidad de practicar la estenopeica también pudieron acceder a alguna lata preparada para la toma. Y la jornada del domingo por la mañana en el laboratorio también fue interesante, divertida… y educativa. Todos aprendimos algo más sobre fotografía. Ahora lo que necesitamos es que cada año, en estas fechas, más compañeros de la asociación, y podemos invitar también a otras personas, como así sucedió en esta ocasión, se animen a participar y a disfrutar de la fotografía en su estado más puro.

técnica fotográfica

Hazlo tú mismo – Cómo hacer una cámara estenopeica

Este fin de semana que viene celebramos el día mundial de la fotografía estenopeica. Y AFZ ha organizado unas actividades para celebrarlo. En el canal de Youtube de la asociación encontraréis un vídeo sobre cómo hacer vuestra propia cámara estenopeica, con Miguel Ángel Tremps como artesano fabricante y Beatriz Orduña en la realización del vídeo.

Los dejamos también en estas páginas para que accedáis siempre que queráis.

beers&cameras, exposiciones

Beers & Cameras – Rito de la Luz Persistente (Receta de oficio observada en la obra de Fernando Alvira Lizano)

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El redactor habitual de estas publicaciones, lamentablemente, no pudo asistir al último Beers & Cameras para recoger y reflejar lo acontecido en aquella mañana maratoniana e impertinentemente lluviosa en la que los compañeros visitaron la obra de Fernando Alvira. Pero allí estaba Maite Perez Pueyo para dar fe y contárnoslo en su personal estilo. Vamos allá.

Cruzamos el umbral del Palacio de Montemuzo para visitar La luz de Aragón en su último día abierta al público, 12 de abril de 2026, guiados por Jara Alvira, hija y comisaria.

En su forma de moverse entre las imágenes había una cercanía que venía de haber habitado esa obra desde dentro: abría caminos entre ellas.

A lo largo del recorrido, una palabra regresaba como impulso: pasión.

Fernando Alvira Lizano (Huesca, 1952–2025) habitó la fotografía desde ese lugar.
Comenzó como tornero, modelando formas con las manos. Con el tiempo, ese gesto se trasladó a su mirada: sobre el territorio, donde la luz terminaba de dar forma al paisaje.

Abrió su tienda en Huesca y levantó una nave donde todo ocurría: la toma, el revelado, el archivo. La imagen se convirtió en proceso.

Trabajó por encargo para medios como Heraldo de Aragón y Agencia EFE, colaboró con editoriales y publicó fotolibros. Junto a ese trabajo visible, se percibe otra línea más íntima: una mirada cercana, a veces en blanco y negro, donde el mundo se recoge en los detalles.

Nunca explicó cómo lo hacía.

Esta receta nace de lo que permanece en sus imágenes y del trabajo de Jara, que recoge su archivo, selecciona y ordena para que, por primera vez, su obra entre en las salas de exposición.

En una de las salas, la luz recorre un día entero sin pertenecer a un solo lugar. Amaneceres, momentos centrales y atardeceres de distintos puntos se enlazan hasta formar una continuidad. Como una respiración, no como una historia construida.

Materiales, ingredientes y aliados

— Cámaras de formato 6×6
— Cámara panorámica construida por él mismo cuando la mirada lo exigía
— Trípodes pesados, sostenidos con el cuerpo en ascensos y esperas
— Cuaderno de notas donde registrar y ajustar la práctica
— Territorio recorrido: Aragón en esta exposición, la península en su trayectoria
— Luz en tránsito, desde su aparición hasta su retirada

Procedimiento

Llega a un lugar.
Detente.
Deja que el espacio se imponga antes que la imagen.

Observa cómo la luz acaricia las superficies: cómo se posa, cómo se desplaza, cómo desaparece. Percibe el aire, la temperatura, el ritmo lento de las sombras.

Algunas imágenes contienen la primera luz. Otras, la intensidad del mediodía. Otras, el instante en que todo se recoge. Juntas forman un día compuesto por muchos.

Permanece dentro de ese ritmo.

Si la imagen no se da, recoge.
Vuelve.

Entre encargo y encargo, abre un espacio propio. Ahí la mirada se acerca: una pared, una textura, un gesto mínimo. El blanco y negro aparece como una forma de concentración.

Anota. Ajusta.

Si la herramienta no alcanza, se construye.

Y cuando todo coincide, la imagen sucede.

Continuidad del rito

Lo que se percibe en la obra es una forma de insistencia sin rigidez.

El territorio cambia.
La luz también.

Con el tiempo, la mirada se afina.

Y ahora, a través de Jara, ese trabajo continúa: ordenar, catalogar, seleccionar y dar forma a un archivo inmenso para que pueda ser visto y compartido.

Finalidad

Afinar la percepción hasta reconocer el pulso de la luz sobre la tierra.
Sostener una práctica donde el oficio y la intuición se encuentran.

Como resultado, la imagen conserva algo más que un instante: conserva el tiempo que ha sido necesario para que ocurra.

Y también conserva algo esencial: la pasión con la que fue hecha, y la misma con la que hoy se entrega.

Fotógrafos

Conoce a una fotógrafa; Inge Morath, curiosidad y humanidad

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Aunque abril está siendo un mes complicado para elaborar contenido para estas páginas por la dificultad para encontrar momentos para escribir reflexivamente sobre un tema que os pueda interesar, no queremos dejar pasar ningún fin de semana, en la medida de los posible, si una dosis de alimento fotográfico. Y hoy iremos a conocer una fotógrafa del siglo XX que, aunque ya fallecida hace unos años, tiene cosas que enseñarnos.

Inge Morath (1923 – 2002) fue una fotógrafa austriaca que, como tantos otros artistas e intelectuales alemanes, austriacos o de otros países de la Europa central tuvieron que exiliarse por el auge del nazismo y sus regímenes afines en otros países de la región. Y como tantos de estos artistas, acabó instalándose en Estados Unidos. Fue la primera mujer en incorporarse a la agencia Magnum Photos, invitada por Robert Capa, y se codeó con todo tipo de gentes del mundo de la cultura. Estuvo casada con el dramaturgo Arthur Miller… luego explicaré la chispa que impulsó su relación.

Su fotografía es fundamentalmente documental, con una mirada humana, y en ocasiones no exenta de humor, sobre la realidad que la rodea. Y sus temas fueron variados. En ocasiones se introdujo sin dudarlo en la fotografía conceptual, por ejemplo en colaboración con el historietista Saul Steinberg. Recuperando el tema de su relación con Arthur Miller, en 1960 fue invitada con otros fotógrafos de Magnum Photos al rodaje en Reno de The Misfits (Vidas rebeldes en España, Los inadaptados en la América latina). Entre ellos Cartier-Bresson, Ernst Haas, Eve Arnold además de la propia Morath. La película fue dirigida por John Huston a partir de una historia corta de Arthur Miller, que estaba presente en el rodaje. Miller estaba casado en aquel momento con Marilyn Monroe, que protagonizó la película, aunque su relación hacía aguas por todas partes. Fue la última película completa que rodó Monroe. El coprotagonista masculino fue Clark Gable, y también fue su última película, ya que murió poco después del rodaje. Tras el divorcio de Miller y Monroe, el dramaturgo comenzó la relación con la fotógrafa.

Pero más allá de la crónica «del corazón» de la película, las fotografías de plató de aquella película, realizadas por tan prestigioso elenco de fotógrafos merecen la pena ser contempladas, sin lugar a dudas. Pero hay más relacionado con este rodaje. Morath se desplazó a Reno desde Nueva York acompañado por Cartier-Bresson, en un largo viaje por carretera, que dio lugar a otra serie y libro de fotografías notable The Road to Reno. Uno de mis libros de fotografía favoritos. Cartier-Bresson usaba una Leica M3 con un objetivo de 50 mm, que era el propio del fotógrafo. Morath tenía otra forma de ver el mundo y utilizaba una Leica M2 con un objetivo de 35 mm, que con el tiempo se convertiría en el preferido por tantos fotógrafos documentales.

Morath utilizó desde muy temprano el color como medio de expresión. En aquella época, muchos fotógrafos profesionales consideraban el blanco y negro como el medio fotográfico serio, esencial, puro, siendo el color cosa de aficionados o del público general cuando hacía sus fotos familiares y de vacaciones; una atracción de mercadotecnia para incitar al consumo de película fotográfica. Pero Morath fue una de las primeras fotógrafas en reivindicar el color como medio de expresión fotográfica tan válido como cualquier otro. Y yo estoy de acuerdo con ello.

Sería muy extenso mencionar o repasar todos los temas y trabajos de Morath, pero quizá haya que destacar sus series realizadas en China a partir de 1978. Tras el reconocimiento general de la República Popular China como gobierno legítimo del gigante asiático, frente al reconocimiento como tal del gobierno de Taiwán como gobierno legítimo del país, fue uno de los primeros fotógrafos o fotógrafas en recibir un visado que le permitió recorrer durante varios años el país, documentándolo con su cámara fotográfica.

Desde el año de su fallecimiento, Magnum Photos instauró el premio Inge Morath, reconociendo en memoria de la fotógrafa austriaca el trabajo de fotógrafas emergentes, muchas de las cuales, con este impulso han acabado siendo fotógrafas reconocidas y de prestigio. Hace unos años, en Fundación Telefónica de Madrid hubo una impresionante exposición colectiva con siete fotógrafas ganadoras de este premio recorriendo por etapas el Danubio, desde su nacimiento hasta su desembocadura en el mar Negro. Morath, que nació a orillas del gran río europeo quiso realizar este recorrido, y lo hizo en parte. Pero no completamente, porque los países del Telón de Acero no se lo pusieron fácil. En cualquier caso, tanto las fotografías de Morath como las de las siete ganadoras del premio fueron impresionantes. Lo único que he lamentado es que nunca he encontrado que se trasladara aquel trabajo colectivo a un libro en el que conservar aquel trabajo.

No me enrollo más. Como podéis ver, una fotógrafa representativa del siglo XX, precursora en muchos aspectos que, quizá, como tantas otras mujeres, ha quedado eclipsada por otras figuras masculinas, pero que en absoluto se encuentra ni un paso atrás de cualquiera de ellos tanto en calidad, como en conceptos, como en humanidad.

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Más allá del espectro visible; fotografía en el infrarrojo

Fotografiar es escribir con luz. Seguro que esto lo habéis escuchado o leído en más de una ocasión. La palabra fotografía es un neologismo acuñado en el siglo XIX a partir de dos palabras griegas, phōtós (luz) y gráphein (escribir o grabar). Pero el concepto de luz es muy interesante. El ciudadano corriente, que va a lo suyo, cuando oye o habla de luz, sobreentiende luz visible. Es decir es radiación de la naturaleza que es percibida por nuestros ojos y que nos permite ver el mundo que nos rodea. Pero un físico nos dirá que es radiación electromagnética, y que la radiación electromagnética es mucho más amplia, que abarca desde los potentísimos rayos gamma de altísimas energías, pasando por los rayos X, los ultravioletas, la luz visible, el infrarrojo, las microondas y las ondas de radio, las que menos energía transportan. Pero que tan útiles nos son hoy en día para comunicarnos entre nosotros. Aunque sólo vemos una pequeña parte de toda esa radiación, el espectro visible, entre los 400 y los 750 nm de longitud de onda aproximadamente, todos esos tipos de ondas electromagnéticas tienen exactamente la misma naturaleza que la luz visible,… pero no las vemos.

Gráfico extraído de Wikipedia, bajo licencia CC BY-SA 3.0, autor, Horst Frank, Jailbird.

En el grafico vemos el conjunto de la radiación electromagnética y la pequeña banda que constituye la luz visible. El caso es que en ciencias hace tiempo que han superado lo de que la luz es la radiación electromagnética que vemos. Para los físicos todo es luz. Y todo es posible ser utilizado para crear imágenes, que nos permiten conocer mejor el universo.

Fotografia realizada por el Telescopio Espacial James Webb, en el dominio público, fundamentalmente realizada en el espectro infrarrojo.

En los últimos años se han hecho populares las fotografías del universo tomadas por distintos telescopios, tanto sobre la faz de la Tierra como los que se encuentran en órbita en el espacio. Como el Telescopio Espacial James Webb. Este telescopio, aunque puede ver algo en el espectro visibile, entre el naranja y el rojo, fundamentalmente realiza sus imágenes en el espectro del infrarrojo. Como nuestro ojos no ven este espectro, a las imágenes se les asignan colores arbitrarios; las longitudes de onda más cortas en tonos azulados y las más largas, rojizos. Es irónico por los tonos azulados se corresponden en el espectro visible con los tonos naranjas y rojos. Habitualmente. La cuestión es que nosotros, los fotógrafos de a pie, los aficionados, también podemos usar algunas de estas longitudes de onda, que no podemos ver, para realizar nuestras fotografías. Y entre ellas, la más popular es el infrarrojo cercano. La radiación electromagnética que no vemos pero está pegada al color rojo que sí vemos. Veamos qué posibilidades tenemos.

Película fotográfica:

Empezamos por la película fotográfica porque es la primera que estuvo a disposición del fotógrafo. Hasta los primeros años del siglo XXI hubo varias emulsiones fotográficas que estaban especialmente preparadas para fotografiar en el infrarrojo. Eran difíciles de manejar. Se velaban con facilidad. Los objetos calientes emiten radiación infrarroja. Los seres humanos radiamos radiación infrarroja. Si te dejabas la cámara cargada con película Kodak HIE High-Speed Infrared en la guantera de un coche en un día de calor… se te velaba.

Hoy en día, estas películas especiales no se fabrican. Pero existen películas para negativos en blanco y negro llamadas superpancromáticas, que tienen una sensibilidad extendida al infrarrojo cercano. Son mucho más sencillas de usar. Si las usas como cualquier otra película en blanco y negro, obtienes fotografías similares a las que todos conocemos. Pero si usas un filtro de paso alto rojo o IR, bloqueamos la llegada de los colores entre el azul y el naranja, y sólo formamos la imagen con la radiación electromagnética roja o infrarroja cercana.

Las fotografías que aquí muestro están hechas con película Adox HR50, con un filtro de paso alto IR 720nm. Es decir, sólo deja pasar los rojos muy muy profundos, a partir de los 720 nm (nanometros), tan profundos que muchas personas no los ven, el filtro parece opaco, y la radiación de longitud de onda mayor (de ahí lo de paso alto), en el infrarrojo cercano. Los cielos y el agua aparecerán muy oscuros porque tan apenas emiten o reflejan el infrarrojo, el follaje de las plantas se ve blanco porque reflejan el infrarrojo como si no hubiera un más allá.

Se puede usar una cámara cualquiera, aunque yo prefiero las de visor directo o telemétricas. Con las reflex, primero tienes que enfocar y encuadrar, luego poner el filtro y hacer la foto, porque con el filtro puesto no ves nada. Las que veis aquí están hechas con una veteranísima Leica M2 y objetivo Zeiss Biogon C 35 mm f2.8.

Otras películas en el mercado además de la Adox HR50. Pues tenéis varias denominaciones de Rollei, como la Rollei IR 400, la Superpan 200, y la Retro 80S. La primera es sensible hasta los 820 nm, mientras que las otras dos llegan hasta 750 nm y poco más. La Retro 80S nos da la imagen más limpia con grano más fino, mientras que la IR 400 tiene un grano más grosero. Todas estas películas Adox y Rollei están fabricadas por Agfa Gevaert bajo su marca Aviphot para usos científicos y técnicos.

Ilford fabrica la Ilford SFX 200, con una sensibilidad espectral similar a la Superpan 200. Y creo que ya no hay más en estos momentos que se puedan comprar envasadas para uso con cámaras de película de 35 mm biperforada con de formato medio tipo 120. Filtros recomendados con estas películas; los filtros rojos equivalente al Wratten 25 o rojos más profundos, o el IR 720 nm. Conviene usar trípode para exponer las fotos, porque los tiempos de exposición se van con facilidad a varios segundos.

Cámaras digitales no modificadas:

Todos los sensores de las cámaras digitales, en su estado bruto, tienen una sensibilidad extendida al ultravioleta y al infrarrojo cercanos. Pero los fabricantes colocan filtros que bloquean estas longitudes de onda, para evitar que los colores se vean alterados y poco naturales. Dicho lo cual, los sensores de algunas cámaras dejan pasar algo de radiación infrarroja, por lo que eventualmente, con esas cámaras y un filtro IR 720 nm se puede hacer fotografía en el infrarrojo cercano. Os pondré un ejemplo realizado con una Fujifilm GFX 50R y objetivo Fujinon GF 50 mm f3.5. Y eso sí… con tiempos de exposición larguísimos de 20 o 30 segundos a pleno sol. Trípode obligatorio. La foto tal y como viene en el archivo RAW y procesada en blanco y negro. Con estas cámaras no merece la pena intentar obtener una fotografía en color. Si queréis probar si esto funciona con las vuestras…

Cámaras digitales modificadas:

Desde hace tiempo, algunos se dedican a modificar el sensor de las cámaras digitales viejas, las que se desechan porque la gente se compra otras más modernas y con mayores prestaciones, les elimina los filtros que bloquean el ultravioleta y el infrarrojo colocándoles otros sin acción alguna sobre la luz, y las convierte en cámaras de espectro ampliado. Por supuesto, hay que saber lo que se hace. Una vez realizada esta operación, los colores de las fotografías objetenidas no serán fieles a la realidad. Observar esta foto de una rosa roja realizada con una Panasonic Lumix GX1 y objetivo Panasonic Leica DG Summilux 9 mm f1.8 ASPH, tanto en color como en blanco y negro.

Raruna, ¿verdad? Estas cámaras se pueden usar con una diversidad de filtros. Generalmente, naranja, rojo o IR para distintas longitudes de onda. Siempre que sean de buena calidad y de paso alto. No meros cristales tintados de los que venden baratos en Amazon. Tienen que dejar pasar su color y los colores o radiación de mayor longitud de onda. También se puede experimentar con lo opuesto, filtros verdes o azules de paso bajo, para bloquear los naranjas, rojos e infrarrojos y hacer fotos con los colores verdes, azules y el ultravioleta cercano. Pero es menos habitual. O con filtros monobanda, que bloquean todas las longitudes de onda menos la del color del filtro. Cada cual es libre. Muchos de estos filtros muy especializados son difíciles de encontrar y caros. Así que nos iremos a lo sencillo que es el infrarrojo.

Se puede hacer fotografía en color, pero para ir empezando es un poco compleja de procesar, por lo que nos vamos a centrar en el monocromo. Mi recomendación es empezar con un filtro IR 720 nm. Al eliminar los filtros del sensor, la sensibilidad de este aumenta, por lo que seremos capaces de fotografiar a mano alzada. La fotografía siguiente está realizada a f4, 1/125 segundo e ISO 160, con el objetivo super gran angular. De lo más cómodo.

Como podéis comprobar, el efecto más habitual es que el follaje, los elementos vegetales, queden casi blancos. Reflejan mucho la luz infrarroja. Generalmente las hojas verdes. Pero también otras partes de la planta distintas del tronco o ramas leñosas. Las fotos que os muestro están realizadas en un día con nubes, y tienen un contraste relativamente bajo. En un día soleado, los cielos aparecerán prácticamente negros. Y hay que familiarizarse con el rendimiento tonal. Obsérvese el siguiente tulipán morado, tan oscuro, cómo rinde en el infrarrojo.

La fotografían en el infrarrojo es ideal cuando llega la primavera y durante el verano. Aunque no dudéis en animaros a ella durante todo el año. En el buen tiempo, hay sol y temperaturas templadas o altas, por lo que hay abundancia de radiación infrarroja en el ambiente. Las plantas están en todo su esplendor de follaje y reflejan esta radiación como posesas. Y nos dan esos paisaje pseudonevados, tan estupendos. No hay que gastar mucho para iniciaros. Las cámaras modificadas, especialmente las sencillas como es micro cuatro tercios que uso yo, no son muy caras. O podéis investigar en internet si alguien os puede modificar una cámara digital vieja que tengáis por casa. Luego es cuestión de adqurir un filtro IR 720 nm, o conformarse con un filtro rojo profundo. Suelo recomendar objetivos de focales fijas para este fin, porque tienen diámetros de filtro más pequeño y por lo tanto los filtros son más baratos. Otro de los motivos para usar los micro cuatro tercios, porque con un filtro de sólo 46-49 mm de diámetro te puedes apañar. Pero cada cual verá cual es su mejor opción dependiendo del equipo que ya posea.

Y los que se decidan por la película fotográfica… pues es usar una película en blanco y negro, a la que ponemos un filtro especial, y hacemos la foto con trípode. Mejor usar aperturas muy cerradas. La luz infrarroja no enfoca en el mismo lugar que la luz visible, por lo que cuanto más aumentemos la profundidad de campo mejor. Algunos objetivos antiguos tiene marcas para corregir el enfoque manualmente para el infrarrojo. Pero están calibrados para longitudes de onda mayores que lo que disponemos hoy en día. Quizá habrá que usar esta corrección con la Rollei IR 400, que tiene mayor sensibilidad espectral, llegando al 850 nm. La Kodak HIE llegaba casi a 1 micra de longitud de onda (900 – 920 nm). Pero en este tipo de fotografía, con digital o con película tradicional, lo que hay que hacer es experimentar. Dejarse llevar un poco, y experimental. Es muy divertida.

fotografía analógica

Fotografía de película – Cómo empezar con una cámara estupenda y realmente barata; el secreto que nadie cuenta.

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Vamos a hablar un poquito de fotografía con película fotográfica tradicional. La que hacíamos todos hasta hace 20 o 25 años. Y vamos a empezar por hacernos con una buena cámara. Pero buena de verdad. Y gastando poquito. En la cámara. Los objetivos son otra cosa. Aunque igual no tenemos que gastar nada, con un poco de suerte. En fin. Os presento dos cámaras; una Canon y una Pentax. Están fotografiadas a la misma escala para poder comparar tamaños.

De las fotografías de ejemplo que se muestran a continuación, las fotos en color están realizadas en enero de 2026 con la Canon EOS 650 y un EF 85 mm f1.8 sobre película 4Hundred Film. Las fotos en blanco y negro están realizadas en marzo de 2026 con la Pentax LX y el objetivo SMC-M 50 mm f1.4 que vemos en la imagen.

La primera es una Pentax LX. Es un modelo profesional para objetivos de enfoque manual, con montura Pentax K, y se fabricó durante 20 años. Desde 1981 hasta 2001. Un modelo como ese, sin el 50 mm f1.4 que calza y con el que se vendía, con signos claros de uso pero funcionando perfectamente, puede costar en eBay alrededor de 400 euros. O más.

La segunda es una Canon EOS 650. La primera Canon EOS que se fabricó en la historia, para objetivos de enfoque automático, con montura Canon EF, y se fabricó durante 2 años. Desde 1987 hasta 1989. Pensada para aficionados avanzados, pero también la usaron profesionales. Se vendía con uno de esos objetivos, un 50 mm f1.8 o un 35-70 mm f3.5-4.5. Sin ellos, cuerpo desnudo, como nueva y funcionando perfectamente se puede encontrar en eBay por 35 euros.

Las especificaciones técnicas de la Canon son en general superiores, aunque la LX tiene algunas ventajas. No entraremos en ellas. No es el objeto. La calidad de construcción aparente es superior en la Pentax, pero eso no quiere necesariamente decir que aguante mejor los golpes. Si se estropean, la Pentax se puede arreglar, pero el arreglo costará bastante más que comprar otra Canon EOS 650 en el caso que se estropee esta.

La mayor parte de los aficionados a la fotografía de película despreciará la Canon y se morirá por la Pentax. Sin embargo, la calidad de las fotografías será indistinguible, y dependerá exclusivamente de la capacidad del fotógrafo. Por la décima parte de dinero.

Algunas ventajas más de la Canon EOS, y de las cámara similares de otras marcas, como Nikon, Minolta, Pentax autofoco, son compatibles con los objetivos más modernos de enfoque automático posteriores para cámaras réflex, no los diseñados para cámaras sin espejo. Quizá pueda haber problemas con los de terceros fabricantes (Sigma, Tamron, Tokina…), pero con los originales de las marcas no. Salvedad de los pensados para sensores APS-C que, o no se pueden montar (como los de Canon) o no cubren todo el fotograma de 24 x 36 mm.

Es decir. Si tienes una cámara digital réflex Canon EOS , o una Nikon, o una Sony(*), o una Pentax, por un pequeña cantidad extra de dinero puedes tener un sistema para película fotográfica aprovechando todos o parte de los objetivos que igual ya tienes. Y nadie habla de esto.

(*) Sony adquirió en su momento la división fotográfica de Konica-Minolta, y durante un tiempo fabricó una gama de réflex digitales, las Sony Alfa, que usaban la montura Minolta autofoco, por lo que sus objetivos son compatibles con las viejas y muy respetadas Minolta AF.

Hacer fotografía con película tradicional está al alcance de cualquiera. En muchos casos, en muchas familias, en muchos hogares, hay alguna de estas cámara perdidas y olvidadas en un cajón o en un altillo. O en casa de algún tío, primo, o abuelo. Nos hemos olvidado de ellas. Y hacen unas fotos estupendas. Y nos pueden costar muy poco dinero o nada. ¿Y si os animáis con ellas? Igual descubrís que os gusta. Y que es adictivo. Nunca se sabe.

libros

Libros; «Leer las imágenes» – Laia Abril y Santi Palacios

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Vamos a iniciar una nueva sección en las entradas que van a ir apareciendo en las páginas de la AFZ Asociación de Fotógrafos de Zaragoza. Vamos a hablar de libros. Pero no necesariamente de libros sobre técnica. Vamos a comentar libros que hablen de fotografía o que nos muestren fotografías, el trabajo de los mejores, aquellos que nos pueden inspirar. Y a ser posible, intentaremos que sea libros que se puedan conseguir y que no arruinen a nadie. Aunque esto de los libros no está nada barato.

Y vamos a empezar por Leer las imágenes de los fotógrafos Laia Abril (Instagram) y Santi Palacios (Instagram). El libro está editado por Revista 5W, dentro de su colección Voces 5W. Conocí del libro a través de Clavoardiendo, una revista en línea que sigo para estar al tanto de la actualidad en fotografía contemporánea.

5W es una revista en línea que gestionan los ocho periodistas que la llevan. Va sobre periodismo, y su nombre procede de las 5 preguntas que ha de hacerse todo periodista a la hora de contar algo: Who, what, where, when, why (Quién, qué, donde, cuándo, por qué).

Laia Abril estudió periodismo, pero no se dedicó al periodismo. Decidió hablar de los temas que quiere hablar a través de la fotografía, pero a través de trabajos conceptuales, en las salas de exposiciones, a través de fotolibros, y tras documentarse abundantemente. En sus trabajos ha hablado sobre temas que afectan especialmente a las mujeres. Uno de sus primeros trabajos en este sentido, Thinspiration, hablaba de trastornos alimentarios. Pero su conjunto de obra más famoso es su trilogía Una historia de la misoginia, con sus tres capítulos, Sobre el aborto, Sobre la violación y Sobre la histeria de masas. En 2023 recibió el Premio Nacional de Fotografía, y es una de las fotógrafas con mayor proyección internacional de nuestro país.

Santi Palacios, sin embargo, no estudió periodismo, estudió sociología, pero se dedica al fotoperiodismo. Su trabajo ha sido fundamentalmente para los medios de comunicación, no siempre para los más comerciales y conocidos, también para aquellos, mucho más independientes, que autogestionados por los propios periodistas buscan mantener su voz propia, alejada de intereses corporativos. Ha trabajado los problemas de mujeres presas, las migraciones y los refugiados, la pandemia de covid-19, y temas medioambientales. En la actualidad es editor jefe de Sonda Internacional, uno de esos medios independientes y autogestionados por los propios periodistas, especializada en la crisis climática en curso.

El libro que recomendamos tiene el formato de libro de conversaciones entre ambos fotógrafos, repartidas en las 5 W, en las cinco preguntas que antes hemos visto que han de hacerse los fotógrafos que quieren contar lo que pasa o que quiere plantear un tema o un problema. Y en ellas debaten muchos de las cuestiones que ya se han ido colando en los párrafos anteriores. Cómo decidir el enfoque personal de la práctica fotográfica, hacia lo artístico o hacia lo documental. Cómo elegir los temas. Trabajar de forma independiente o para un medio. Los problemas derivados de la forma en que los medios usan las fotografías, no respetando siempre la visión del fotógrafo. Las cuestiones relacionadas con el modo en que se consumen las fotografías en los tiempos de internet y las redes sociales. Cuándo realizar una fotografía y cuándo no, quién decide lo que el público está dispuesto o preparado para ver, y cómo va a leer o interpretar la fotografía. Entre otros.

El punto de partida es ese. Una fotografía no es algo que simplemente se mira, se contempla. Es un canal de comunicación que hay que leer. Lo cual implica el conocimiento mutuo de los códigos presentes en la imagen tanto por el fotógrafo como por los consumidores. Y, a partir de ahí, a discutir.

Son sólo 14 euros. Y son 140 páginas que se leen bien. Eso sí… no hay ni una sola fotografía. Pero, en ocasiones, para entender mejor las fotografías, es preciso dejar de mirarlas un tiempo y leer sobre ellas.

naturaleza, técnica fotográfica

Naturaleza; macrofotografía económica con equipos sencillos

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Durante el Beers & Cameras de hace una semana, en una de las conversaciones mencionamos un útil accesorio, cuando es bien utilizado, para realizar macrofotografía. Unido a la reciente publicación sobre la fotografía de flores en árboles ornamentales urbanos, me dio la idea de hacer otra publicación, continuando de alguna forma el tema de la anterior, sobre accesorios para macrofotografía para aquellos que quieran iniciarse en este género fotográfico, o practicarlo esporádicamente, sin necesidad de vaciar la cuenta de ahorros.

El equipo utilizado para realizar este artículo; más adelante se irán comentando las distintas piezas que lo componen. Y cuyo valor actual monetario es bajo, pero el valor en satisfacción fotográfica puede ser potencialmente muy alto.

Tradicionalmente, la mejor forma de realizar macrofotografía es utilizando un objetivo macro, pensado y diseñado específicamente para esta disciplina. Pero, ¿qué entendemos por macrofotografía? Es la fotografía de aproximación, enfocando a muy cortas distancias, en la que la escala de reproducción ronda el 1:1, un centímetro en el objeto se reproduce como un centímetro en el sensor de imagen o en la superficie del negativo de la película, o todavía mayor. Es fotografiar con detalle sujetos realmente pequeños. Hasta la escala 1:2, los sujetos se reproducen a la mitad de su tamaño lineal en la superficie sensible, lo consideramos fotografía de aproximación. Entre 1:2 y 1:1… unos lo consideran macrofotografía y otros… pues no.

La cuestión es que los objetivo macro suelen ser caros. Más caros que los de uso general . Es cierto que los de uso general tienen distancias mínimas de enfoque cada vez más interesantes. Y si antaño sus escalas de reproducción estaban entre 1:8 y 1:10, cada vez es más frecuente disfruta de escalas entre 1:2 y 1:5. Así que muchas veces, con una pequeña ayuda, podemos conseguir fácilmente la macrofotografía.

No nos engañemos. Conseguimos lo que pagamos en la mayor parte de las ocasiones. Los macroobjetivos suelen estar diseñados para una calidad óptima de imagen en grandes ampliaciones de imagen, mientras que los de uso general pueden flojear. Pero es raro que cualquier objetivo, diafragmado a sus aperturas medias, f5.6 – f11 en fotograma completo, o sus equivalente en los sensores más pequeños, no dé buenos resultados enfocado a cualquier distancia.

Canon EOS RP + EF 40 mm f2.8 STM con adaptador EF-R y tubo de extensión Kenko de 36 mm.

Tres accesorios contemplaremos para ayudar a nuestros objetivos de uso general a ver de cerca. Todo lo que voy a contar vale tanto para fotografía digital como fotografía con película fotográfica sobre cámaras de objetivos intercambiables. He usado una cámara sencilla, de gama de entrada, Canon EOS RP, que me costó muy económica en un outlet hace unos años. Está descatalogada y sustituida por la Canon EOS R8. Lo importante es que es una cámara con prestaciones similares a las de muchos fotógrafos modestos. El resto del equipo lo comentaré en cada sección.

Tubos de extensión

Simplemente son tubos que se venden en juegos de varias longitudes y que alejan el objetivo de la superficie sensible. De esa forma disminuye mucho la distancia de enfoque, pero el objetivo no puede enfocar a infinito. Es decir, mientras este colocado el tubo, no se puede utilizar para un uso general.

La cámara Canon EOS RP con el objetivo EF 40 mm y el adaptador de montura y el tubo de extensión colocados.

La matemática del asunto es sencilla. Supongamos un objetivo de 50 mm enfocado a infinito. Si le ponemos un tubo de 25 mm, la escala de reproducción es 25:50… es decir, 1:2. Si el tubo o combinación de tubos es de 50 mm, tenemos una escala de reproducción 1:1. En el caso de un 40 mm, un tubo de 20 mm daría 1:2, y uno de 40 mm daría 1:1. Fácil, ¿no? ¿Otras distancias? Rescatamos las reglas de tres que aprendimos en la escuela y lo calculamos. Como es complicado usar tubos muy largos, son adecuados para objetivos focales cortas. Entre 35 y 50 mm. Con un tubo de 50 mm consigues el 1:1 en un objetivo de 50 mm. Para un objetivo de 200 mm de focal, necesitarías un tubo de… ¡¡¡20 cm!!!

Para los ejemplos que muestro he usado uno de los objetivos más económicos de Canon. Un EF 40 mm f2.8 STM, compacto, ligero, con buena óptica. Su escala de reproducción nativa es x 0.18 o 1:5.55, que no está mal para un uso general. Y le he acoplado un tubo de extension de 36 mm Kenko. Como tienen montura EF y la cámara tiene montura RF, uso el adaptador correspondiente, que venía con la cámara cuando la compré. Escala de reproducción conseguida; enfocando a infinito 1:1.11, a la mínima distancia de enfoque 1.05:1. Macrofotografía.

Canon EOS RP + EF 40 mm f2.8 STM con adaptador EF-R y tubo de extensión Kenko de 36 mm.

Advertencia: Al introducir tubos de extension, se pierde luminosidad. Midiendo la luz a través del objetivo no hay problema, pero si alguien usa viejas cámaras de película sin fotómetro tendrá que doblar la velocidad de exposición, como mínimo. Usar preferentemente con aperturas medias o cerradas, la profundidad de campo es muy reducida.

Lentes o lupas de aproximación

Son lentes convergentes, meniscos convergentes en sus versiones más sencillas, que se enroscan como filtros en el objetivo. Si es posible, mejor usar un modelo más complejo, de dos elementos, porque si no la aberración esférica acecha con una imagen poco contrastada y pérdida de nitidez. Al revés que los anteriores, se llevan mejor con los teleobjetivos.

La cámara Canon EOS RP con el objetivo EF 70-210 mm y la lente de aproximación Cosina. Se ve que el diámetro de la lente es claramente inferior, 49 mm de rosca, al del frontal del objetivo, 58 mm de rosca. Y sin embargo en la fotos no se advierte ningún viñeteo por ese motivo.

Su potencia se mide en dioptrías. Sí. Como las gafas. Porque es como si le pusiésemos «gafas de leer» a un objetivo con presbicia. Las más sencillas tienen 2 dioptrías habitualmente. Las más potentes suelen rondar las 10 dioptrías. Yo suelo usar una Cosina de hace 30 años de 3.33 dioptrías. Las matemáticas para calcular la escala de reproducción son más complejas, y recomiendo usar una calculadora de las que hay por ahí. Yo uso la de Cambridge in Colour.

Canon EOS RP + EF 70-210 mm f3.5-4.5 USM con adaptador EF-R y lente de aproximación Cosina de 3 ⅓ dioptrías.

Normalmente la gente compra una lente con una rosca de diámetro igual a la del filtro del objetivo. Pero si usas teleobjetivos, yo uso lentes más pequeñas, con los adaptadores de rosca correspondientes, sin problemas. He usado un objetivo Canon EF 70-210 mm f3.5-4.5 USM, una óptica de los años 90, hace mucho tiempo descatalogada. Muchos tendrán objetivos zoom tele similares, relativamente económicos. Tiene una rosca de filtro de 58 mm. Mi lente tiene una rosca de 49 mm. A pesar de esa diferencia, no interfiere en la imagen.

Usado este equipo a la focal de 210 mm, sin la lente de aproximación me da una escala de reproducción 1:6 (x 0.17) a su distancia mínima de enfoque. Con la lente de aproximación, a infinito tengo una escala de reproducción de 1:1.33, mientras que su distancia mínima de enfoque tengo una escala de 1:1.01, casi el 1:1. Con el 40 mm sólo llegaríamos 1:3. Al igual que sucede con los tubos de aproximación, no podemos enfocar a infinito con la lente puesta, no podemos usar el objetivo para uso general. Eso sí… no perdemos nada de luminosidad. Lo cual, con los teleobjetivos, nos viene muy bien.

Canon EOS RP + EF 70-210 mm f3.5-4.5 USM con adaptador EF-R y lente de aproximación Cosina de 3 ⅓ dioptrías.

Aros de inversión

Otro dispositivo que viene bien con objetivos de focales cortas. De hecho, cuanto más cortas mejor. Son unos aros que por un lado tienen una rosca para poner en la rosca de filtros del objetivo, y por el otro tienen una bayoneta para la montura de la cámara. De esa forma, colocamos el objetivo en posición invertida.

Es extraño ver el objetivo Pentax SMC-A 50 mm f2 puesto del revés, con la bayoneta a la vista, sobre el conjunto de adaptadores necesario para montarlo en la Canon EOS RP.

Con los objetivos modernos electrónicos tienen un inconveniente enoooooorme. Pierden los contactos con la cámara y sólo se pueden usar con la apertura al máximo, lo cual es poco conveniente en macrofotografía, por la escasa profundidad de campo. Mejor usar viejos objetivos mecánicos, en los que podemos cerrar la apertura manualmente.

Yo he usado un objetivo Pentax SMC-A 50 mm f2, que tengo desde compré mi primera cámara réflex en 1989. Como decía, mi objetivo es ser lo más económico posible. No he encontrado las matemáticas para calcular la ampliación, pero me dice internet que para un 50 mm puedo esperar escalas de reproducción entre 1:1.4 y 1:1. Y con un 20 mm podría llegar a 3:1 o 4:1… una barbaridad, muy difícil de usar. Pero extremadamente interesante. Hay que esperar una ligera disminución en la calidad óptica, pero diafragmando se nota poco. Es la opción menos cómoda.

Canon EOS RP + Pentax SMC-A 50 mm f2 invertido y con adaptador K – RF.

Dicho todo lo anterior, estas son opciones más económicas que nos permiten hacer macrofotografía sin invertir mucho dinero en un objetivo dedicado. Pero si os decidís por ellas, no seáis agarrados. No compréis una lente de 10 o 20 euros en Amazon. La aberración esférica está prácticamente asegurada. Mirad a ver lo que hay entre los 75 y los 140 euros. Merece la pena. Y con los tubos de extensión, con los adecuados contactos electrónicos, lo mismo. No os vayáis a lo más barato, o podéis tener problemas con los contactos y con el funcionamiento de la cámara.

Espero que os animéis y disfrutéis de la macrofotografía económica.

Canon EOS RP + Pentax SMC-A 50 mm f2 invertido y con adaptador K – RF.
beers&cameras

Beers & Cameras; exposiciones en el IAACC Pablo Serrano

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Ayer AFZ Asociación de fotógrafos de Zaragoza tuvo su Beers & Cameras del mes de marzo. Actividad que trataremos hacer con frecuencia anual, en el que realizaremos actividades relacionadas con la fotografía, para después comentarlas alrededor de una mesa con unas cervezas… o lo que cada cual quiera consumir, ¡claro! Aprovecho para recordaros que estamos intentando dar publicidad constante a las actividades de la asociación a través de la cuenta de Instagram @afzfoto.

Si tenéis cuenta en Instagram o si consideráis la posibilidad de abriros una, podéis compartir vuestras fotos con la etiqueta #afzfoto y una llamada a la responsable de la cuenta mediante @afzfoto, y podremos difundir también vuestro trabajo fotográfico. Para las fotos realizadas en los Beers & Cameras, podéis usar también la etiqueta #afzbeersandcameras. Si no queréis cuenta en Instagram, si compartís las fotos en el chat de WhatsApp Quedadas fotografícas, también las podremos trasladar a la cuenta de la asociación en Instagram. La visibilidad de la asociación es importante para atraer personas y establecer relaciones.

Como seguimos con tiempo fresco aunque tengamos encima la primavera, el Beers & Cameras de ayer también tuvo su actividad principal bajo techo, visitando exposiciones fotográficas o con un potencial interés para la creatividad fotográfica, por lo que estuvimos en las exposiciones temporales del IAACC Pablo Serrano, centro de referencia para el arte y la cultura contemporáneos del Gobierno de Aragón. Os recordamos que en la anterior visitamos la exposición de Antonio Gracia Pascual en la FNAC.

Tres exposiciones visitamos:

La primera fue la exposición Nigrum del fotógrafo aragonés Pedro Avellaned, veterano como pocos, pero todavía activo. Quienes se hayan movido por el mundo fotográfico zaragozano, es altamente probable que se lo hayan encontrado en alguna ocasión. Fotógrafo conceptual, cuya obra se ha desarrollado fundamentalmente en el blanco y negro, aunque no exclusivamente, y que ha flirteado con frecuencia con el surrealismo y algunas otras tendencias del arte del siglo XX.

En la exposición fija su mirada en los tonos negros, en las sombras, de las imágenes, al mismo tiempo que homenajea o dialoga con la obra o hechos de algunas figuras artísticas. Hablando de surrealismo, uno de los autores referenciados es el director de cine, recientemente fallecido, David Lynch. Y también establece diálogo con el escritor norteamericano Edgar Allan Poe. Pero la exposición tiene otros elementos interesante. Una pena que su último día sea hoy 15 de marzo de 2026.

En otro orden de cosas, visitamos también la exposición del escultor Alejandro Monge (Instagram), Synthetic Nature. Obras realizadas con cemento, fibra de vidrio y resinas sintéticas, sus figuras humanas… o humanoides,… emparentan claramente con determinadas manifestaciones de la cultura popular contemporánea, especialmente el manga y el anime. Es difícil no reconocer en algunas de ellas referencias o similitudes con obras como Akira o Ghost in the Shell, u otras más indefinidas. Figuras femeninas, juveniles, de rasgos asiáticos, que nos trasladan a un entorno cultural actual y bien definido.

Las exposiciones de escultura siempre son un regalo para el fotógrafo, que puede jugar con las formas, las texturas, los puntos de vista que ofrecen las obras, y la iluminación, que nos viene impuesta, y con la que ha de jugar para obtener una fotografía que, más allá de ser una reproducción documental de la obra escultórica, refleje lo que el fotógrafo vio y sintió al contemplarla.

Finalmente, la exposición Goya, cazador de tendencias, realizada en colaboración con la Fundación Goya en Aragón, en la que se explora el mundo del textil y de la moda en la obra y en la época de Francisco De Goya.

Y lo dicho, tras visitar las exposiciones, unas cervezas en una de las muchas cafeterías y cervecerías que encontramos en las aceras del paseo María Agustín en las proximidades del museo. Animaos a venir a la próxima. Que quizá ya trate de otras cosas, quizá más al aire libre aprovechando que se nos echa encima, como decía antes, la primavera.

técnica fotográfica

Objetivos para cuando cae la noche

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Hace unos días, Lourdes, compañera de AFZ nos hacía una consulta en el chat de WhatsApp. La siguiente, no literal, resumida y generalizada para cualquier marca de cámara.

Tengo una cámara réflex digital con sensor APS-C y quiero un objetivo luminoso para fotografía callejera nocturna.

Y nos decía su presupuesto, generoso, probablemente no sea necesario gastar lo que se planteaba, y nos pedía consejo. Algunos ofrecimos consejo, pero estaría bien tener unas nociones generales que nos ayuden a tomar decisiones de forma racional. Así que vamos a analizar el problema y las posibilidades. Con extensión a otros escenarios fuera de las calles de las ciudades y pueblos.

Plantearemos tres, quizá cuatro, escenarios generales. Pero antes, un aviso, en fotografía nocturna, la mayor parte de las ocasiones es mejor no esperar a que sea noche cerrada. El crepúsculo, con el cielo todavía azul, suele dejar mejores resultados.

Paisaje nocturno en la ciudad… o fuera de ella.

Al igual que cuando hacemos paisaje a la luz del día, probablemente vamos a querer trabajar con aperturas suficientemente cerradas para conseguir una profundidad de campo suficiente; f8 o f11 para un formato completo, f5,6 o f8 (quizá f11) para un formato APS-C, f4 o f5,6 para un micro cuatro tercios.

Si abrimos más, tendremos que gestionar con cuidado la profundidad de campo; que queremos que salga enfocado y qué nos da igual que salga desenfocado.

Si cerramos más, conseguiremos más profundidad de campo, pero aumentará la difracción, disminuirá la nitidez y… bueno, tendremos estrellitas en las fuentes de luz puntuales. Estoy igual le interesa a alguien.

Para hacer paisaje nocturno no hay recomendaciones especiales. Generalmente preferiremos un gran angular, pero nada nos impide usar un estándar o un teleobjetivo, aunque la gestión de la profundidad de campo se complicará. Pero cualquiera puede hacer fotografía de paisaje nocturno con el objetivo zoom de kit. Cerrado a sus aperturas más favorables para mayor calidad. Aquí lo que vamos a necesitar es un buen trípode. En algún caso, si el conjunto de cámara y objetivo tiene un buen sistema de estabilización de imagen, quizá no… pero preferentemente sí.

Entonces… recomendación, no gastamos en un nuevo objetivo y nos compramos un trípode suficientemente estable. No racaneéis con los trípodes. Por favor.

Plus estético: como trabajaremos con velocidades de obturación lentas, los objetos móviles aparecerán difuminados e incluso desaparecerán con velocidades muy muy lentas. Y los vehículos dejarán estelas luminosas que amplían nuestras opciones creativas.

Reportaje documental en horas crepusculares o nocturnas.

Probablemente, este escenario, no podremos usar el trípode. Tendremos que ir a mano alzada. Si no hay elementos móviles, un sistema de estabilización en el objetivo o en la cámara vendrán bien. Pero si hay elementos móviles que queremos fijar… no servirá para nada. La estabilización es un paliativo para la trepidación al disparar, pero no afecta a los sujetos que se mueven.

Por lo tanto, tendremos que confiar en objetivos suficientemente luminosos, subir la velocidad de obturación… con personas un mínimo sería 1/60 segundo, pero 1/125 segundo es más seguro,… y subir el ISO todo lo que nuestra cámara tolere. Por lo tanto, un objetivo luminoso es de rigor, siendo finos en el enfoque. Aunque un zoom luminoso, f2.8, y por lo tanto caro, puede valer, merece la pena ir a algo más barato, de focal fija, y todavía más luminoso.

Los objetivos f1.7-f2 son la opción más económica, y habitualmente la más racional. Pero bueno… quien quiera más luminosidad y tenga el dinero… aunque recordemos que un f1.2-f1.4 puede ser muy complicado de enfocar, especialmente con poca luz, y con escasa profundidad de campo. La longitud focal, como de costumbre en reportaje, aunque cada cual es libre de elegir, algo entre 28 mm y 50 mm todo lo más es lo más adecuado. Por lo menos para empezar y hasta que definamos nuestro estilo.

Recomendación, prueba en el mercado de segunda mano. Hay objetivos económicos que tienen estas características. Y además, si tienes un cámara réflex digital, ahora que se imponen los sistemas sin espejo, ha aumentado la oferta con buenos precios.

Alerta, los sistemas que tienen versión APS-C y formato completo (Canon, Nikon y Sony) con frecuencia tienen menos oferta de focales fijas con estas características para el APS-C. Un 50 mm es un tele corto y no un estándar. Un 28mm o un 35 mm son estándares y no angulares. Hay que buscar y bucear más en el mercado.

Plus estético (y luminoso): Apoyaos en un aparato de flash. No necesita ser extraordinariamente potente. Actualmente, la gama Godox es la más completa.

Retrato en horas crepusculares o nocturnas.

En este caso, valen muchas de las recomendaciones que teníamos para el reportaje. Sí, ya sabemos que te dicen que el tele corto es el objetivo de retrato. Pero si vas a cerrar el encuadre en el sujeto, que más te da que sea de día o de noche. Si eliges el crepúsculo o la noche para el retrato, es que quieres situar al sujeto en un contexto. Y para dar contexto mejor un angular o un objetivos estándar.

Y sí, en este caso, el flash empieza a ser muy interesante. Y sí, en este caso, también podríamos usar el trípode, y velocidades de obturación más lentas… siempre que se esté quieto. Aunque son interesantes los resultados de velocidades de obturación lentas con sujeto moviéndose, fijándolo con un golpe de flash.

Extra: la noche fuera de la ciudad.

Como no era el objeto de la consulta no me extenderé, pero…

  1. Los paisajes a la luz de la luna con tiempos de exposición largos son muy interesantes. Valen los consejos dados para el escenario del paisaje nocturno.
  2. Si miramos al cielo, a las estrellas, el super gran angular es casi de rigor. Aunque un angular moderado también funcionará. Eso sí, para evitar que las estrellas se conviertan en líneas en lugar de puntos, cuanto más corta la focal, mejor.
  3. Y si acaso, dejamos que se conviertan en largas líneas curvas, en cirumpolares del cielo o similares, con tiempos de exposición muy prolongados.

Espero que el artículo sea útil.

naturaleza

Naturaleza; la amabilidad fotográfica del género ‘Prunus’

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Para este fin de semana teníamos varias posibilidades para generar contenidos que os pudieran animar a la práctica fotográfica, por ejemplo,… mañana domingo. Hoy sábado ha estado algo tristón a ratos, gris, por las nubes. Pero mañana domingo está previsto un día soleado. Ideal para coger la cámara y salir a disfrutar del aire libre y hacer algunas fotos. Bueno… pues ya puestos, un poco de fotografía de naturaleza. Sencilla. Vistosa. Colorida. Las flores de los árboles del género Prunus.

Prunus cerasifera próximo a la basílica de San Antonio. © Carlos Carreter, 2026.

El género Prunus es uno de los más tempraneros en florecer cuando llega la primavera. Incluso algunos árboles florecen al final del invierno. Algún día, si acaso, hablamos de la diferencia entre la primavera climatológica y la astronómica, porque no suelen coincidir. A efectos prácticos, a tres semanas del comienzo de la primavera astronómica, ya estamos en la primavera climatológica. Así que… ¡Oye! Pero,…¿qué narices es el género Prunus?

Prunus cerasifera próximo a la basílica de San Antonio. © Carlos Carreter, 2026.

Uy, perdón. El género Prunus es un género de plantas de la familia de las rosáceas, árboles y arbustos, que incluyen unas cuantas especies que son cultivadas para su aprovechamiento en alimentación. Y otras, para jardinería y ornamentación de nuestros parques y espacios verdes. Las más famosas de sus especies son almendros, ciruelos, cerezos, melocotoneros (o durazneros), albergeros (o albaricoqueros),… y sus derivados híbridos como pavías (o nectarinas). Como buenas rosáceas, sus flores son pequeñas, de cinco pétalos, de color blanco o rosado… Y muy fotogénicas. Aunque en los cultivares para ornamentación pueden ser más complejas… vamos, como pasa con las rosas, de la misma familia pero de distinto género.

Flor del almendro en Casablanca a orillas del Canal. © Carlos Carreter, 2026.

La cuestión es que desde hace ya unos días, los numerosos ejemplares de árboles del género Prunus que tenemos, no sólo en el monte o en los campos de cultivo, han empezado a mostrar sus flores, y lo seguirán haciendo durante la primavera. En estos momentos, son los almendros y los ciruelos los que están en flor.

Flor del almendro próximo a Valdefierro a orillas del Canal. © Carlos Carreter, 2026.

Y, ¿dónde los encontramos? Pues los ciruelos de jardín, también llamados ciruelos-cerezos o ciruelos mirobolanos (Prunus cerasifera) están por todas partes, con sus clásicas flores pequeñas rosáceas o blanco-rosáceas. Es lo más fácil de encontrar. Mis favoritos por tenerlos muy cerca de casa son los que hay entre el puente de América y la basílica de San Antonio.

Flor del almendro en los llanos de la Violada, cerca de Almudévar. © Carlos Carreter, 2006.

Almendros (Prunus dulces o Prunus amygdalus), muchos de los cuales están ya perdiendo la flor, los hay por muchos sitios, generalmente más asilvestrados. Paseando por el Canal Imperial de Aragón entre Casablanca y Valdefierro se ven con frecuencia. Pero también los he visto por el camino entre la desembocadura del Gállego y Santa Isabel, por Montemolín. Seguro que hay por más sitios.

Sakura en el Parque Grande. © Carlos Carreter, 2018.

En el Parque Grande hay un rincón donde se plantaron hace unos años unos cerezos japoneses (Prunus serrulata), los que producen las famosas sakura 桜 o さくら tan propias de la primavera en el País del Sol Naciente. Pero al ayuntamiento no se le ocurrió otra idea que dejarlos encerrados dentro del parque para perros. Totalmente a favor de estas instalaciones, por supuesto, pero ya la podrían haber puesto en otro sitio del Parque Grande, para poder haber disfrutado del hanami 花見 a finales de marzo y principios de abril.

Cerezos de cultivo entre Bolea y Loarre. © Carlos Carreter, 2018.

Por cierto, cuidado con confundirse. En algunos parques de Zaragoza, por ejemplo en la ampliación del parque Pignatelli, encontramos otros arbolitos que producen flores muy similares. Pero no son del género Prunus. Son perales de jardín. Los perales también son de la familia de las rosáceas, pero de otro género. Perales (Pyrus) y manzanos (Malus) también muestran flores de cinco pétalos blancas. Por lo que da igual si nos confundimos. Podemos disfrutar de la fotografía.

Perales de cultivo entre Morata de Jalón y Chodes. © Carlos Carreter, 2008.

Equipo, técnica fotográfica… Bueno, esto está alcance de casi todos. Conviene tener un teleobjetivo, pero muchas veces la focal larga del zoom estándar puede valer. No es necesario que sea macro, pero cuanto más aproxime más detalle se obtendrá. Un modo de exposición con prioridad a la apertura irá bien, gestionando esta apertura para conseguir un buen desenfoque pero con suficiente profundidad de campo para la nitidez de los detalles de la flor. Si estamos cerca de la flor, no pasa nada por usar un f8, la profundidad de campo será pequeña cuanto más ampliemos la flor. Y como son flores blancas, no olvidéis usar la compensación de exposición a +1, incluso +2 en ocasiones, para tonos luminosos y no grisáceos. Pero sin quemar las altas luces. A disfrutar de un domingo con buen tiempo. Enseñadnos las fotos.

Cerezos de jardín en la ampliación del parque de Pignatelli. © Carlos Carreter, 2025.

Un secreto. Dentro del género Prunus, el más afín al melocotón no el alberge, ni las ciruelas, como muchos piensan. Son las almendras. Pero en lugar de aprovecharse la parte carnosa de la drupa, se aprovecha la semilla del hueso.

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Actividad; AFZ en Zaragoza Luce 2026

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Segunda edición de Zaragoza Luce y segundo año que unos cuantos socios de Asociación de Fotógrafos de Zaragoza AFZ se reúnen para ejercitar sus habilidades y su creatividad fotográficas aprovechando la ocasión.

Fresca, por no decir fría noche de febrero… que siendo una actividad al aire libre igual estaría bien que se celebrase un poco más adelante en el calendario del año. No obstante, mientras anduvimos por calles estrechas del Casco histórico de Zaragoza, aun fue llevadero, siendo los amplios espacios de la plaza del Pilar, cerca del Ebro, los que nos hicieron notar nuestro «querido» cierzo. Que aunque no era muy intenso, venía a una temperatura que ¡ya te digo!

Alegres con luces © Rogelio Pina.

Pero vamos a dejar de ponernos tiquismiquis. no me puse a contar los que estábamos, pero aun éramos un grupito interesante, tanto de socios como de algún conocido o amigo que se nos juntó y que fueron muy bienvenidos. Gracias a Ana Cosculluela, que había hecho los deberes y llevaba anotaciones con las intervenciones luminosas de la muestra. Y con ellas nos fue guiando en un recorrido bien pensado y razonable.

Con el móvil © Ana Cosculluela
Con el ‘tele’ y velocidades lentas © Carlos Carreter

Sobre la calidad o el interés fotográfico de las intervenciones luminosas… pues ahí ya cada cual tendrá su opinión. Unas eran más agradecidas que otras a la hora de ejercitar esa creatividad de la que hablaba antes. Yo podría decir que me divertí especialmente con las de la plaza de San Cayetano (oficialmente ‘del Justicia’, pero los que somos de Zaragoza de segunda o tercera generación… tenemos nuestras manías con el nomenclatura del callejero.

© Ana Cosculluela le hace a todo… a la paciencia de disparar una estenopeica, y a la creatividad lúdica del papel térmico.

Y también con el aparatoso tenderete de luces de colores que había sobre San Juan de los Panetes (oficialmente, «plaza de Cesar Augusto», aunque no lo sabe casi nadie). Pero otros tendrán otras preferencias. Como los señores de luces blancas que volaban sobre nuestras cabezas, con los que trepaban por las fachadas de la plaza de Santa Cruz.

Todo según © Rogelio Pina.
Una parte según @ Carlos Carreter.

Como era de esperar, la mayor parte de los asistentes tiraron de cámara electrónica digital, lo más frecuente en los tiempos que corren. Pero no faltó quien llevó alguna cámara para película fotográfica tradicional, cámaras estenopeicas, o las divertidas cámaras de juguete con copia sobre papel de impresión térmica. Y entre las digitales, había algún modelo reciente, pero también alguna veterana Olympus de hace más de 20 años. Si en la variedad está el gusto, las gentes de AFZ somos gentes de buen gusto.

Un telón rojo mirando hacia el Pilar según © Sarpla.
Y © Sarpla tambien encontró ‘superhéroes’ en los cielos de Zaragoza.

Os dejamos aquí una muestra de las fotografías que hemos recibido, con los créditos correspondientes. Aunque sabemos que habrá más por ahí que no se han mostrado todavía. Animamos a todos a compartir vuestros trabajos. A preguntar cómo podrían ser mejores. O no mejores, simplemente de otra forma. Recordad también que AFZ tiene cuenta en Instagram, instagram.com/afzfoto/, y que buscamos siempre las fotos de los socios o amigos que etiquetan las suyas con #afzfoto. Es una buena forma de compartir entre todos.

Algunos se suben por las paredes, lo vio © Rogelio Pina.
Fotógrafos

Conoce a un fotógrafo; Miguel Trillo, la Movida y mucho más

Mientras esperamos a ver si la gente se anima a compartir fotografías de la actividad de ayer viernes visitando Zaragoza Luce 2026 para poder redactar una entrada que nos permita resumir y conservar recuerdo de la actividad, voy con una nueva serie de entrada que iremos sacando más o menos periódicamente. La serie la llamaremos Conoce a un fotógrafo, y en ella se presentará la obra de un fotógrafo que nos pueda servir de inspiración para nuestra práctica fotográfica.

Las entradas de un blog de WordPress no son el lugar para realizar artículos muy extensos sobre la vida y obra de los fotógrafos. Y ademas… oye,… que somos aficionados. No historiadores del arte o de la fotografía. Así que no pretenderemos grandes profundidades. Más bien, motivar a probar nuevas formas de ver y de encontrar nuevos motivos para nuestras fotos. Y se es posible. Algún comentario sobre la técnica del fotógrafo. Y hoy vamos con un fotógrafo español, Miguel Trillo, a quien dedicaban hace unos días un artículo con entrevista en la revista en línea Clavordiendo.

Miguel Trillo, nacido en la población de Jimena de la Frontera, provincia de Cádiz, en 1953 es un fotógrafo ya muy veterano que destacó en los años 80, los años de la famosa Movida madrileña, por haber fotografiado a los jóvenes de la época, de distintas tribus urbanas y estilos de expresión personal, una época de gran inquietud cultural. Aunque de una forma un poco reduccionista para que la gente sólo se acuerde de la música pop y rock de la época.

En Zaragoza, tuvimos la suerte de poder contemplar una retrospectiva de su trabajo realizado durante los años 80 del siglo XX, Identidades, en la primavera de 2015, en el Centro de Historias de Zaragoza. Un centro que de vez en cuando presenta exposiciones muy interesantes, aunque tengo la sensación, esto es algo un poco subjetivo, de que ha conocido mejores tiempos en ese sentido. Pero aquella exposición estuvo muy bien. Yo busqué el libro/catálogo, pero curiosamente sólo lo encontré en ingles, Photo-identities, lo cual me dio un poco igual, y me lo compré.

Su estilo fotográfico es muy «sencillo»… por lo menos desde el punto de vista técnico. Al alcance de todos. No hace falta más que una cámara réflex, o una cámara que nos pueda hacer un papel similar, creo que la mayor parte de las fotografías están hechas con un un objetivo normal o angular, y un flash. Situar a la persona o personas a retratar delante de un fondo cotidiano, en el medio en el que los has encontrado, y disparar con el flash de frente. Justo como nos dicen que NO tenemos que hacer en los talleres de fotografía de retrato con flash. Pero bueno… quizá es que Trillo, y otros que han usado técnicas similares van a lo suyo y con una intención clara de sinceridad y documentación, respetando la identidad natural de los retratados.

«Sencillo» entre comillas, porque una cosa es dominar la base técnica y otra es saber dialogar con las personas, proponerles el retrato, explicarles qué quieres conseguir, convencerles para que posen y, en un período de tiempo razonable para que no se nos cansen o se sientan molestos, pueden ser extraños, consigamos la foto. Pues eso «sencillo».

Después de aquella época, Trillo ha seguido fotografíando gente. Especialmente gente joven. Ha fotografiado parejas, en su serie Parejas y placeres, que también tengo. Se ha ido por el mundo. Y también cayó en mi poder otro libro, Cromasiáticos, catálogo sobre su serie dedicada los jóvenes de distintos países asiáticos. Por lo tanto, Trillo ha sido un testigo privilegiado de la evolución de las tendencias y de la gente joven de este país,… de este mundo. Creo que queda claro el interés de conocer a este veteranísimo autor.

Bueno hasta que voy a llegar hoy. No sin antes proponer otros dos nombres de fotógrafos muy conocidos, también muy vinculados a la Movida madrileña, aunque también con trayectorias largas y diversas.

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Nocturno con luces; ideas para después de la puesta de sol en la ciudad

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El viernes 20 de febrero próximo, AFZ tiene prevista una actividad fotográfica, un paseo fotográfico, un photowalk para lo que sientan que si no lo dicen en inglés «no es lo mismo». A las 20:00 horas. Lo que en el mes de febrero significa noche cerrada. Pero los motivos nos los da el ayuntamiento con sus propuestas culturales. Se trata de Zaragoza Luce, en su segunda edición. Un conjunto de intervenciones artísticas urbanas basadas en la luz y en los efectos de iluminación.

En la edición del año pasado también nos juntamos un grupo de socios de AFZ para recorrer estas intervenciones artísticas e intentar sacar partido de las mismas para ejercitar nuestras habilidades fotográficas. Buena parte de las fotos que ilustran esta entrada proceden de esa noche. Aunque no todas. Alguna otra cosa habrá de otros orígenes.

Vamos a ver por lo tanto algunas ideas para ver cómo hacer las fotos en una ocasión como esta. Esto no es un tutorial. Estos no es una lección. Esto no es un tema de investigación. Esto no es nada pretencioso; son… lo que he dicho. Ideas. Si os valen o no… vosotros veréis. Eso sí, si no movéis el trasero, salís de casa y os ponéis en situación, no lo vais a averiguar.

Lo que dicen los sabios:

«Hay que evitar la noche cerrada. Mejor al final de la hora azul, cuando todavía hay algo de luz crepuscular. Queda mucho mejor. Usa un trípode, y sensibilidades ISO bajas para evitar el ‘ruido» y optimizar la nitidez.»

La realidad… Los sabios puede que tengan razón, pero no siempre hacemos fotos cuando queremos o cuando nos gustaría sino cuando podemos.

  • Si tienes trípode y lo puedes usar, perfecto. La regla vale. Pero no siempre disponemos de él. Y en algunos espacios públicos no se permiten. Porque estorban el paso de otras personas. Hay que discernir. Así que a mano alzada será en algunas ocasiones… y con los ‘ISOs’ altos. Habrá que currárselo en el procesado.
  • Confía en los modernos estabilizadores de imagen incorporados en cámaras u objetivos. O ambos. Pero no te olvides de algo. Eso va bien con motivos estáticos. Si se mueven, las velocidades de obturación baja harán que haya baja nitidez por el movimiento. A veces conviene más bajar la velocidad más y provocar un movimiento creativo que quedarse a medias.
  • Si los sujetos están muy iluminados en un entorno de noche cerrada, y expones, como debes en digital o en película diapositiva, para las luces, lo demás te va a quedar negro. Si has decidido coger el trípode, haz varias fotos con distintas exposiciones. Luego aprovecha de cada una de ellas lo que te convenga para quedar con la foto que imaginabas. Eso implica currárselo en Photoshop, Affinity, DxO PureRaw, Pixélmator Pro, GIMP o el software que tengáis u os guste. Con capas. Pero sugiero que olvidéis lo del HDR. Aunque no os lo diga, para no haceros enfadar, el 90 % de las veces que lo usáis… queda horrible. Dicho está.
  • Si tenéis un flash, usad un flash. Casi nadie sabe usar bien el flash. Pues bien. Experimenta. Úsalo. Si usas cámara digital, no gastas en película. Sólo en pilas. Te ayudar a dar algo de luz a la gente o determinados objetos.
  • Juega con las velocidades lentas y las estelas de los vehículos y otros objetos que emiten o reflejan luz. Como cuando vamos a fotografiar el tranvía por la noche… pero con muchos otros objetos.
  • Si vamos en grupo, no te cortes. Sé curioso. Pregunta. Ocho personas mirando a la misma escena, haciendo cada una de ellas una foto,… la probabilidad de que hagan la misma foto es sorprendentemente baja. Cuestiona, indaga, busca los porqués de lo que ven, miran o imaginan los demás.
  • No sólo de silicio y bits vive el ser humano. Las sales de plata en gelatinas con o sin pigmentos o colorantes también sirven. Y muchas de las recomendaciones indicadas también valen… salvo que cada foto cuesta dinero. Por lo que de pensar antes de hacer la foto está especialmente indicado. Pero seguro que podemos encontrar hasta quien haga fotografías estenopeicas, con velocidades de obturación no especialmente cortas.
  • En cualquier caso, no os quedéis con lo que recomiendan los sabios. Sinceramente está muy bien y es recomendable conocer y, si es posible, dominar las técnicas básicas. Pero echarle imaginación y salirse de la norma puede ser creativo. A Picasso muchos lo critican porque no entienden lo que pintaba. Pero antes de meterse en las vanguardias artísticas, en su juventud, fue un pintor con una técnica prácticamente perfecta. O sea… aprende lo que toca y luego… haz lo que te venga en gana. Pero hazlo. No te quedes en casa.

Esperemos que dentro de unos días, después de la actividad, podamos hacer otra entrada de seguimiento a esta con las mejores fotos realizadas por los socios de AFZ. Por cierto, nos estamos moviendo mucho por Instagram https://www.instagram.com/afzfoto/, y usamos la etiqueta #afzfoto. ¿Por qué no te unes y nos enseñas tus fotos? ¿Has visto la entrada de la última actividad?

beers&cameras

Beers & Cameras: desde la FNAC a la naturaleza con Antonio Gracia Pascual

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Un saludo a todos los socios de la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza AFZ, y todos los visitantes que no lo son pero lleguen a estas páginas interesados por temas de fotografía. Soy Carlos Carreter, y desde el siete de febrero soy el encargado de estas páginas. Démosles vida.

Y empezamos con la actividad de esta mañana del 14 de febrero de 2026 en la que un grupo de socios hemos quedado con Antonio Gracia Pascual (Instagram) en la FNAC Plaza de España de Zaragoza para visitar su exposición Made in Aragon, con 18 fotografías de naturaleza hechas en nuestra comunidad autónoma, más una… hecha en algún lugar no tan lejano ni extraño a los aragoneses.

De entrada, ya, y antes de seguir, dejando las cosas claras. Si os gusta la fotografía, o si os gusta la naturaleza, especialmente los dinosaurios aviares, que sobrevivieron hace 66 millones al impacto del asteroide de Chicxulub, es el lugar al que debéis acudir para disfrutar un rato. Y el cartel de la exposición deja claro quién es el rey y principal protagonista de la exposición, un tal Martín Pescador (Alcedo atthis), uno de los habituales habitantes de las orillas de los ríos de Zaragoza, uno de los más coloridos, de los más vistosos, y de los más simpáticos.

Pero no es el único. Si no recuerdo mal, a Martín le dedica tres de las diecinueve fotos, por lo que hay espacio para unas cuantas especies más de aves, algunas bellas mariposas e interesantes paisajes. Y la mayor parte de ellas, simplemente, saliendo a caminar por las orillas del Ebro o del Gállego a su paso por nuestra ciudad. A buen paso, eso sí, para cubrir terreno y, de paso, hacer ejercicio cardiosaludable.

La visita no ha sido simplemente un ratito de ver fotografías. Ha sido un diálogo. Antonio se distingue por su cercanía, por sus ganas de compartir experiencias y conocimientos. Para él no hay secretos. Aquello que considera de bueno y bello en la naturaleza y en el arte fotográfico lo comparte sin reserva. Y a mí… a mí me da mucha envidia… me pone verde de envidia…. porque demuestra que lo más importante en fotografía no es el equipo, el tiene uno majo, pero sencillo, al alcance de muchos aficionados, y que tiene ya unos años, pero da igual,… lo importante es el fotógrafo. Es la persona. Que sale al campo. Que mira. Que escucha. Y que repite una y otra vez las mismas rutinas, que en la naturaleza cada día son distintas, hasta ir consiguiendo poco a poco los resultados apetecidos.

Esas son las enseñanzas que hemos recibido. Amor por el arte fotográfico, amor por la naturaleza, paciencia, insistencia, sacudirse la pereza, y salir a hacer fotografías. Y compartirlo con los amigos y con aquellos con intereses comunes. Que si todo va bien, acabarán convirtiéndose en amigos. Venga. Animaros. Id a verla mientras esté ahí. Y si no pasaros por su Instagram, que os lo hemos enlazado más arriba.

Desde Zaragoza, este pequeño y animado rincón del Universo, un fotográfico saludo.

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Ana on fire

Ana Cosculluela en el Teatro de las Esquinas

Teatro de las Esquinas (Pasillo de las Artes)

Enero y febrero de 2025

De lunes a viernes, de 17:30 a 20:00 horas

Nuestra querida Ana Cosculluela expone un proyecto de largo aliento.

Años de reposo, decantación, pruebas y mucha creatividad con los elementos más sencillos: la luz, una estancia, un estenopo, un rollo de fotografía.

La vida, los sentimientos, las actitudes se intuyen, se muestran en unas imágenes tomadas como de un sueño.

En un blanco y negro que nos atrapa, las fotografías –muchos autorretratos- granuladas y etéreas, indefinidas y sugerentes nos muestran el amor, la ira, el horror… la vida en suma.

De la introspección de la pandemia al Teatro de las Esquinas.

Imperdible.

AFZ

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Presentación del libro «Agente Doble»

Nuestra querida Pilo Gallizo nos presentó el 17 de mayo en la galería Spectrum el libro «Agente Doble», editado por Rasmia con un gusto y un lujo extraordinarios. Las fotografías de Pilo Gallizo y los textos de Iván Rojo se nos ofrecen con inusual armonía, como una invitación al reposo, a la contemplación y a la lectura placentera.

Fotografía Rogelio Pina

AFZ